Archives juin 2002

Notre univers mental est fait de représentations. De l'idée de grenouille à l'image du bonheur, les représentations possèdent quelques règles d'organisation et de fonctionnement qui en font des outils essentiels pour penser, orienter nos actions, communiquer avec autrui, et imaginer...

Depuis l'affaire Dreyfus, les intellectuels français ont été présents dans toutes les luttes où la pensée et l'écriture pouvaient être utilisées comme des armes.

En sociologie, l'anomie sert à désigner un affaiblissement du lien social. L'histoire des idées montre cependant que le terme est équivoque, et qu'il a pris au fil du temps des significations très diverses.

L'histoire, la sociologie et l'économie de l'art nous invitent à considérer que l'oeuvre de l'art ne se comprend guère si on ne la rapporte aux acteurs qui la construisent : ceux qui la font et, plus encore, ceux qui la jugent et l'apprécient. Mais qui sont-ils ?

Les grottes ornées, apparues sur plusieurs continents, dévoilent certains de leurs secrets dès lors que l'on associe les comparaisons internationales, l'approche ethnologique, l'étude approfondie des sites et même l'expérimentation.

L'intérêt pour les arts primitifs est né au début du xxe siècle chez des artistes soucieux de retrouver dans l'exotisme une expression plus simple et plus pure. Ce genre d'emprunt aux arts populaires se produira à plusieurs reprises au xxe siècle, influençant durablement notre perception des arts indigènes.

Le développement du regard sociologique sur l'art est un fait récent. L'histoire de l'art a été focalisée jusqu'au xxe siècle sur l'étude des styles et de la personnalité des artistes. A la fin du xixe siècle, cependant, le courant de l'histoire culturelle s'emploie à replacer la dynamique des arts plastiques dans le contexte des idées d'une époque (La Civilisation de la Renaissance en Italie, Jacob Burckhardt, 1860), ou à dégager la fonction sociale des arts (Contre l'art d'élite, William Morris, 1878). Cette approche a d'importants continuateurs au xxe siècle (L'OEuvre d'art et ses significations, Erwin Panofsky, 1955). Au début du xxe siècle, quelques sociologues, comme Max Weber (Sociologie de la musique, 1911) ou Georg Simmel (La Tragédie de la culture, 1925) rapprochent les formes de l'art des idéologies ou des modes de gouvernement de l'époque.

Loin de n'être qu'une technique de reproduction du réel, la photographie a depuis ses débuts aspiré à devenir une oeuvre d'art. Mais cette reconnaissance n'a pu être obtenue qu'en se pliant aux règles du marché des beaux-arts.

L'art contemporain déroute. Peinture non-figurative, absence de cadre, détournement d'objets, travail sur le paysage... Est-ce de l'art? Doit-il être subventionné?

Le public de l'art contemporain est divers. Diversité qui tient tout d'abord à l'inégale répartition géographique de l'offre culturelle. Car même si la concentration parisienne s'estompe en faveur des métropoles régionales, des déséquilibres subsistent au détriment des périphéries ou des villes environnant ces nouveaux pôles. Ensuite, un clivage persiste entre ceux qui y vont (visiter un musée ou une exposition temporaire) et ceux qui n'y vont pas (le « non-public »), et ce clivage s'interprète immédiatement en catégories socioprofessionnelles. Les inégalités sociales de fréquentation restent prégnantes. On croise bien peu d'agriculteurs ou d'ouvriers dans les couloirs des musées, encore moins dans les expositions d'art moderne ou contemporain. La démocratisation de l'art est un objectif toujours d'actualité.

Près de la moitié des Français pratiquent librement une activité artistique au moins une fois au cours de leur vie. Mais, entre la guitare oubliée dans le grenier et le carnet de dessin sans lequel on ne sort pas, la marge est grande.

Les arts descendus dans la rue sont-ils plus populaires et contestataires que leurs homologues en salle? Si telle était leur intention de départ, leur succès actuel leur assigne une place instable entre action culturelle concertée et expression de multiples dissidences culturelles et sociales.

Accompagnement thérapeutique prenant appui sur un support artistique, l'art- thérapie occupe une place singulière dans le champ de la prise en charge individuelle et du soin.

Relativement à d'autres pays, la France consacre une part notable de son budget public à l'encouragement de la création plastique. Parfois, on le lui reproche.

L'espace rigide de la galerie, son mode de sélection jugé élististe ne séduisent plus nombre d'artistes. Dans la mouvance d'expériences menées dans les années 70 en Europe du Nord, des collectifs d'artistes ont investi des lieux non-culturels (anciennes usines, ex-appartements...). Derrière la variété des actions, une volonté commune : réunir la production et la diffusion de l'art.